리뷰

한없이 건조한 레지스탕스 필름누아르

-장 피에르 멜빌의 <그림자 군단>

 

 

장 피에르 멜빌은 프랑스 영화의 역사라는 맥락에서 볼 때 비평가들이 정의하기 어려운 감독 중 하나이다. 그럴만한 사정은 있다. 미국영화를 추앙했던 누벨바그리언들이 직접적으로 자신의 영화들에 미국의 양식을 이식하는 것을 회피했던 것에 비해 멜빌은 미국식 장르를 프랑스 영화계에 전용한 ‘파리의 아메리카인’이었다. 멜빌의 노작들은 장르(필름 누아르나 하드보일드 범죄영화)에 대한 페티시즘이 미학의 경지로 승화된 사례를 제공한다. 차갑고 건조한 그의 범죄영화는 냉소주의와 비관주의, 어둠과 연결되는 장르의 특성을 양식화된 표현을 통해 제공(<바다의 침묵> <도박꾼 밥> <사무라이>)했다. 

 

<그림자 군단> 역시 이러한 배경 속에서 탄생한 작품이다. 조셉 케셀의 1943년 소설을 각색한 이 영화는 2차 대전 말기 프랑스 레지스탕스 조직 활동을 묘사하고 있다. 필립 제르비에(리노 벤츄라)가 이끄는 조직의 요원들이 체포와 구금, 고문, 탈출을 반복하는 과정이 별 다른 사건없이 건조하게 묘사된다. 케셀의 소설이 레지스탕스에 대한 것이었다면 멜빌의 영화는 저항 행위 자체에 대한 것이다. 정치적 행위로서의 저항이 아니라 실존적 양식으로서 저항 행위를 다룸으로써 그는 텍스트의 역사적, 정치적 맥락을 삭제한다. 프랑스의 역사적 상황을 배경으로 깔았지만 영화는 범죄 누아르와 스파이 영화를 교배한 형태를 띠고 있다. 게슈타포를 경찰, 레지스탕스들을 범죄조직이나 첩보원으로 바꾼다 해도 하등 이상할 게 없을 정도로 멜빌은 레지스탕스 스토리(멜빌 자신이 점령기 레지스탕스로 활동했다)를 범죄 누아르의 자장 안으로 밀어 넣는다.
 

어떤 장면들은 흡사 로베르 브레송의 영화를 보고 있는 것 같은 착각을 불러일으킨다. 스타일에 대한 접근방식, 사운드, 특히 과묵한 인물들의 내면을 진술하는 나레이션은 노골적으로 브레송 풍이다. 극적이나 심리적이기를 거절하고 철저하게 현상적인 기술에 그치는 나레이션을 암송하는 인물들은 그들을 위해 만들어진 삶을 견디는 것처럼 행동한다. <그림자 군단>에 만연한 것은 심리적 동기화나 감정을 배제한 냉혹한 묘사, 침묵, 생략이다. 이를테면 펠렉스나 장 프랑소와에게 행해지는 고문의 과정은 생략된다. 필립의 조직원들은 미래가 없을뿐더러 과거도 없다. 필립은 자신이 엔지니어라고 말하지만 직업은 그의 임무와 어떤 연관성도 맺지 않는다. 장르의 존재론이라고 부를 수 있는 것을 따라 멜빌은 특정한 방식으로 입고, 말하고, 행동하고, 죽음을 맞는 인간을 묘사하는 것에 치중한다. 따라서 그들이 입는 옷과 중절모, 자동차, 총, 시가, 어둡고 한적한 거리에서의 달리기 따위가 더 중요하다. 

‘저항’이라는 세상의 요구를 묵묵히 받아들이면서 살아가는 인간들을 묘사하는 이 영화가 유일하게 다루고자 하는 테마가 있다는 그것은 ‘죽음’이다. 카리스마 넘치는 여성 조직원 마틸드(시몬느 시뇨레)의 처형 장면에서 이런 사정이 단적으로 드러난다. 대장은 타살도 자살도 할 수 없는 딜레마에 빠진 것으로 마틸드의 운명을 단정하고 그를 암살하지만 죽음의 순간 마틸드의 눈빛은 이와 같은 판단을 유보하게 만든다. 그녀는 정말 조직이 자신의 명줄을 끊어주기를 바랐던 것일까? 이 순간 <그림자 군단>은 언제나 죽을 수 있는 일에 종사하는 이들이 짊어진 실존의 부조리함을 다룬 영화가 된다.

장병원 / 영화평론가

Posted by seoul art cinema Hulot

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베르코르의 소설로도 유명한 <바다의 침묵>은 나치 점령기의 프랑스 작가들이 발행한 지하출판 한 권으로 프랑스 저항문학의 걸작으로 평가받고 있다. 이 소설을 읽고 깊은 인상을 받은 장 피에르 멜빌은 주저 없이 자신의 첫 영화로 만든 것을 결심하고 이는 1947년에 비로소 실현된다.
원작의 구성을 충실히 옮겨온 단순히 구성은 간결하면서도 힘이 있다. 이러한 구성은 이분법적 대립은 반복되는 행위들을 통해 이뤄지며 이는 충돌과 긴장감을 효과적으로 표현하고 있다. 점령당한 프랑스와 점령한 독일, 문화와 무력, 노인/여자와 군인, 미녀와 야수, 침묵과 독백 식의 이분법적 대립은 등장인물의 관계를 대변해주고 있으며 극중 세 인물의 관계는 흑과 백의 강렬한 조명의 대비, 카메라의 움직임, 베르너가 걸어 다니는 소리 등을 통해서 디테일하게 연출된다.
영화에서는 노인이 파이프로 담배를 피우는 모습과 조카가 바느질하는 모습, 그리고 매일 서재에 찾아와 독백을 계속하는 베르너의 모습이 반복되는데, 이러한 반복은 비를 막고 들어온 베르너가 군복이 아닌 사복으로 서재를 찾으면서 전환을 맞는다. 이들의 일관된 침묵과 계속되는 독백은 변함없지만, 평상복의 베르너는 무력으로 점령한 독일과 점령당한 프랑스의 대립적인 관계가 적어도 이집에서 만큼은 유효하지 않게 됨을 보여준다. 이들이 만들어내는 침묵은 대화보다도 더 많은 것을 말해주고 있다. 그리고 마침내 조카딸이 침묵을 깨며 던지는 한 마디 말은 깊은 감동을 준다.
침묵은 영화라는 매체의 더욱 가까이 다가가 있다. 이 영화에서는 인물과 그 인물들의 관계를 표현하는 방식은 말에 의한 설명이 아니라, 영화적인 영상과 주변의 소음이다. 정적이던 카메라는 세 인물이 한 자리에 모이는 서재에서 자유롭게 움직이고, 베르너의 등장은 그가 다리를 저는 소리나 노크 소리로 대신 된다. 또한 단호한 고집이 보이는 노인과 강인한 내면을 보여주는 조카딸과 이상의 좌절을 겪고 비통해 하는 독일장교 베르너의 섬세하게 연출된 모습은 제한된 장소의 실내극이 가질 수 있는 약점을 오히려 강점으로 만들고 있다. 실제로 원작자인 베르코르의 고향 마을에서 촬영된 이 영화는 저예산으로 촬영되었지만, 점령 초기 독일의 프랑스에 대한 회유정책의 기만성, 전쟁의 부조리와 비인간성, 그리고 그 안에서 인간이 겪는 비극을 예리하게 고발하고 있다.
멜빌이 좋아했다던 니콜 스테판의 옆모습과 침착하지만 강인한 두 눈의 연기가 극의 긴장감을 고조시키고 있으며, 하워드 베르농의 온화하면서도 고뇌하는 연기 또한 인상적이다.

글/ 박경미(전 한국시네마테크협의회 사무차장) 


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